Edizioni ETS

Nel volume si intrecciano le voci di specialisti dell'opera di Góngora con altre di storici, storici dell'arte ed esperti di letteratura italiana barocca. Questa impostazione interdisciplinare contribuisce ad allargare l'orizzonte critico del gongorismo attuale e a creare nuovi punti di contatto fra la lirica del grande poeta di Cordova e quella dei più celebri (Tasso, Marino) e meno celebri rappresentanti del seicento italiano (Imperiale, Ongaro). Rivolti alle varie stagioni e ai diversi aspetti della produzione gongorina (i sonetti, i romances ma anche le concettose e finora trascurate décimas), i venti contributi qui raccolti dedicano un'attenzione particolare alle Soledades, il complesso poema cui il cordovese mise mano attorno al 1613 e che ne decretò, come dimostrano le controversie suscitate dalla sua divulgazione, la fama di poeta difficile e "oscuro".

Il corpus delle opere di Leonardo Sciascia può presentarsi al lettore come una camera delle meraviglie in cui trovano posto frammenti ecfrastici, citazioni di quadri, di foto, di film, quasi che l'inchiostro cerchi la complicità dei linguaggi visivi per rappresentare il recto e il verso del mondo. Oltre al fitto catalogo di immagini evocate dentro i testi, la propensione di Sciascia alla visualità si declina anche attraverso la scelta accurata delle copertine, la collaborazione con fotografi e artisti, la collezione di stampe e opere d'arte, attività queste vissute con appassionato 'dilettantismo' ma capaci di produrre esiti di straordinaria modernità (si pensi ai tanti volumi fotografici di Scianna, Leone, Sellerio, glossati dalla sua penna; alle mostre e ai cataloghi di pittori amici del calibro di Guttuso, Guccione, Caruso; ai commenti per i documentari sulla Sicilia girati da Ferrara, Mingozzi, Quilici). La pittura, la fotografia e il cinema sono per lo scrittore una soglia possibile, un varco per l'immaginazione e una testimonianza per la storia e la memoria. Questo libro indaga i diversi livelli di ibridazione fra parole e immagini presenti nella produzione di Sciascia e restituisce così un ritratto a tutto tondo di un autore profondamente legato alle sue radici geografiche e culturali, ma pronto a confrontarsi con i segni luminosi e ambigui della contemporaneità.

Il saggio affronta la scansione sistematica dei Canti leopardiani sia scomponendoli nei suoi aggregati cronologico-stilistici (terzine giovanili, canzoni, idilli, canti pisano-recanatesi, canti fiorentino-napoletani ma anche altro) sia ricomponendoli per un raffronto con i campioni storico-letterari della poesia sette-ottocentesca (Parini, Alfieri, Cesarotti, Foscolo, Monti, Manzoni), a cui è dedicata poi una scheda 'personalizzata'. Ricostruire varianti individuali ed invarianti d'epoca significa, nel caso specifico delle coordinate ritmico-prosodiche sette-ottocentesche, provare a definire il funzionamento, in parte cercato in parte trovato, dei versi della nuova lirica, impegnata, come tutta la cultura moderna, ad allargare i propri confini d'interesse. Leopardi maturò delle scelte dichiarate di poetica letteraria e di 'poeticità' testuale di grande robustezza culturale nonché di straordinaria sensibilità formale, ma questo non ci esime dal cercare strumenti di lettura anche nuovi per inquadrare più compiutamente l'intelligenza del suo talento e la sua raffinatissima bussola retorica.

Margaret Cavendish, Aphra Behn, Eliza Haywood: alle soglie della modernità un nuovo soggetto accosta il proprio sguardo a microscopi e telescopi. È la dama di scienza, una figura che contribuisce alla nascita della filosofia sperimentale, inaugurando "modi di vedere" alternativi a quelli della società patriarcale e mettendo in discussione anche i suoi oggetti di studio e la pratica scientifica nel suo complesso. Lo sguardo è per queste tre scrittrici e scienziate non solo il tema di importanti opere letterarie e di divulgazione, ma anche l'occasione per una sovversione delle pratiche sociali della scienza patriarcale attraverso il complesso e raffinato dispositivo della masquerade che consente di veicolare altri discorsi ed altre visioni. Abolendo la distanza tra osservatore e osservato, disattivando le pratiche di potere e di controllo inscritte nella visualità scientifica e trasgredendo i limiti tra fatti e finzione, queste tre scrittrici e scienziate iniziano un percorso di emancipazione che ancora oggi affascina la visual culture femminista.

Per Vladimir Jankélévitch l'uomo è davanti alla morte come davanti alla profondità superficiale del cielo notturno: non sa a cosa dedicarsi e la sua riflessione resta senza materia. Il legame tra il pensiero e la morte diviene ancor più problematico quando i progressi della medicina consentono di delimitare nella morte due dimensioni non distinte dalla natura: la cessazione dell'attività neurologica e la cessazione dell'attività cellulare. Il volume ricostruisce il percorso teorico che porta dal ruolo simbolico della morte nella vita (Schelling, Fechner e il romanticismo tedesco) alla sua rimozione socio-culturale nel XX secolo (Scheler, Jonas, Baudrillard, Morin) e all'idea contemporanea che la medicina e la tecnologia possano realizzare l'immortalità terrena (Günther Anders, il post-umano). Tale percorso evidenzia la centralità del tema della morte per comprendere, da una parte, il ruolo dell'uomo nel mondo e per capire, dall'altra, le trasformazioni subite dal rapporto tra naturale e artificiale.

Quali itinerari ha compiuto la poesia all'interno delle culture, greca e latina, della Tarda Antichità e del Medioevo? Più complessi di quanto non si pensi. I quindici contributi di questo volume ne esplorano tratti poco noti o inediti e riescono a comporre un tableau variegato, capace di rovesciare qualche consolidato cliché. Ne esce rafforzata l'idea che la poesia, in quei secoli, sia stata veicolo di dottrine, idee, sentimenti di gruppi e di persone e che si sia costruita un 'suo' peculiare linguaggio pur nel dialogo costante con i grandi modelli del passato. E così, poeti esemplari come Gregorio Nazianzeno e Prudenzio sono divenuti essi stessi dei 'classici' e come tali sono stati poi percepiti e ripresi, costituendosi per tal via come mediatori tra l'antico e il moderno. Motivi di una sostanziale continuità, dunque, che si intrecciano con quelli che segnano invece crepe e rotture: ce li additano i quindici autori che, distinti per interessi e provenienze accademiche, sono accomunati dal rigore del metodo e dal rispetto filologico per il testo.

Rivista di anglistica dell'università di Pisa.

Nella vasta opera critica del grande studioso viene preso in esame in questo libro un numero ristretto di autori (Croce, De Sanctis, Gadda, Montale), tutti fondamentali per Contini. Se l'incontro dei due autori contemporanei col giovanissimo filologo e critico militante d'eccezione fu decisivo da entrambe le parti, nell'ambito più propriamente metodologico e storiografico fu centrale il confronto col pensiero e con la critica letteraria di Croce. Ciò vale sia per il commentatore di Dante e di Petrarca, sia per lo straordinario analista di varianti d'autore, l'esercizio critico che a buon diritto può considerarsi invenzione di Contini stesso, anche se all'inizio suggestionato dal magistero filosofico di Croce. La precoce scoperta della Stilkritik di Spitzer segna non solo i primi saggi di Contini nella direzione di un superamento del crocianesimo, in parte ancora interno al suo orizzonte categoriale, ma anche la sua produzione matura almeno sino alla fine degli anni Cinquanta. Spitzer fu per Contini un punto di riferimento mai del tutto abbandonato, sebbene dopo la svolta più apertamente strutturalistica sia evidente una presa di distanza.

Un breve viaggio nei quartieri della città, una passeggiata nelle strade e nelle piazze del centro. L'emozione scaturisce dai ricordi, che non ispirano rimpianti, al massimo una sincera nostalgia. Ma anche un'apertura verso il nuovo, i profondi cambiamenti visti con l'occhio del giornalista che li ha seguiti passo passo, che li ha raccontati ai propri lettori e che adesso li ripropone, tutti insieme - o quasi - per una lettura che è una specie di ritorno a casa. Suggestioni e speranze, ma soprattutto l'atto di amore di un pisano per la sua Pisa.

Dalla lunga esperienza d'insegnamento dell'Istituto Confucio di Pisa nasce "Cinese: passo dopo passo", un manuale pensato per studenti italiani di ogni età e formazione, che non abbiano mai studiato il cinese. L'obiettivo di questo volume è di accompagnare gli studenti nello studio della fonetica, della scrittura dei caratteri cinesi, dei fondamenti della grammatica e delle funzioni comunicative, relativi all'HSKI (Chinese Proficiency Test), equivalente al livello A 1 del "Quadro di riferimento per le lingue europee". II manuale si concentra molto sugli aspetti comunicativi, con vari esercizi di ascolto, conversazione, lettura, scrittura e traduzione. Nato come libro di testo da usare in classe per un corso di 60 ore, è ricco di materiale anche per lo studio autonomo. Il Cd allegato contiene la registrazione audio dei testi e degli esercizi di ascolto del manuale.

Un intero libro per parlare di una sola opera pittorica: di che stupirsi? Perché la monografia è canonica solo per romanzi o film, e non per i quadri? Certo non bastano gli 86 milioni di dollari spesi pochi anni fa per acquistarlo a spiegare il ruolo cruciale del "Trittico 1976" nell'opera di Francis Bacon. Un numero inusuale di elementi figurativi, una costruzione tanto sghemba quanto ostentatamente organizzata, una rete di rinvii ad altri quadri del catalogo baconiano, una nube di possibili allusioni letterarie: questo ed altro ancora è il trittico preso ad oggetto da un'analisi che vuole offrirsi anche come un'esemplificazione metodologica per uno studio di corpus. Emerge come nucleo tematico principale la "maledizione del corpo", che Bacon percepisce come millenaria. Essa ha come interlocutori ideali Eschilo ed Eliot, ma le tangenze poetiche non sono che lo sfondo per enunciare un inedito riscatto della carnalità, senza sublimazioni nel mito o nella poesia. Gli scontri ermeneutici con l'opera baconiana, e con il corpus a cui viene ricondotta, finiscono per interrogare costantemente i fondamenti teorici dell'analisi; di qui il fatto che sono state stilate una serie organizzata di note a margine, giunte infine a comporre un autonomo testo d'accompagnamento, che è poi una riflessione globale sulla semiotica della pittura.

Nella ricezione delle teorie queer in Italia, a prevalere ne è stata finora la versione più rassicurante (Foucault, Butler, la rielaborazione del loro pensiero nei Gender Studies). A restare ancora in ombra è la cosiddetta "tesi antisociale", sviluppata da autori gay quali Bersani ed Edelman che, anziché fare del "sessuale" un'istanza di emancipazione, insistono sui perturbanti legami che esso intrattiene con la pulsione di morte e parteggiano per la fine della civiltà. Con l'intento di colmare una lacuna, il libro discute criticamente questa declinazione "apocalittica" del queer, ne cerca le premesse nella contestazione degli anni settanta (Hocquenghem, Mieli), ne mette in risalto la radicalità sullo sfondo della filosofia politica della modernità (Hobbes, Kant). Per fornire una rappresentazione figurale dell'attacco che le teorie queer antisociali sferrano all'immaginario politico contemporaneo, l'autore chiama in causa gli zombie gay del cinema di Bruce LaBruce: "Quando non ci sarà più posto all'inferno, i morti cammineranno sulla terra...".