Arcana

Drink Parade nasce da una lontana suggestione mai rimossa: il piccolo Maurizio, nove o dieci anni, ogni venerdì mattina, appena suonava la campanella dell’ultima ora, usciva da scuola e correva fino a casa per arrivare in tempo per accendere la radio e ascoltare la sigla iniziale: “Lelio Luttazzi presenta Hit Parade”. A questo rito, per lui irrinunciabile, si era arresa anche sua nonna: nessun pranzo pronto in tavola finché non avevano ascoltato tutti gli otto 45 giri più venduti della settimana. Posate, piatti e bicchieri dovevano rimanere in silenzio fino alla canzone regina, quella al primo posto. Drink Parade nasce dunque da questo primo seme che ha dato vita alla passione per la musica, coltivata poi negli anni in varie forme. Ma naturalmente questo libro non potrebbe non essere anche figlio della fortunata relazione editoriale, in tre fortunati atti, tra Vini e Vinili. Un giovane erede che ha però già deciso di iniziare il proprio percorso cercando di evitare le troppe curve: “101 canzoni da bere d’un fiato”. Non una classifica ma un veloce viaggio di suggestioni pop senza tempo, dissetato alla fine di ogni tappa da un buon vino: Lucio Corsi e le vecchie vigne di Trebbiano, Elvis Presley e le bollicine ancestrali di un moscato secco, Bob Dylan e un leggendario Barolo delle Langhe, e via così, per 101 volte. Il filo conduttore è la leggerezza di un jukebox ritrovato lungo la strada in un locale metropolitano dove, dopo la prima canzone, l’autore ha chiesto al barman altre monete e un altro bicchiere di rosso.

I 65 anni della vita di Miles Davis (Alton 1926 – Santa Monica 1991), tra i grandi della musica del secondo Novecento, risultano tutti vissuti intensamente, tranne qualche periodo oscuro, come accade a ogni artista di genio e sregolatezza. Polistrumentista (tromba, flicorno, organo, tastiere) bandleader, compositore, talent scout, anche pittore e attore, il cosiddetto Divino o Principe delle Tenebre rivoluziona la storia del jazz almeno tre volte in un solo ventennio, benché la propria ricerca sonora risulti sempre in continua ebollizione. Su Davis, anche in Italia dai Seventies a oggi, escono svariate bio e monografie, tra cui la prima, notevolissima, proprio con Arcana, firmata da Ian Carr, musicologo ma soprattutto collega di Miles. Dopo Carr, vi sono molti altri contributi sull’argomento, oltre la fondamentale autobiografia (dettata allo scrittore Quincy Troupe), mentre risulta assente una sorta di enciclopedia o dizionario che riassuma e commenti in 65 voci/capitoli (numero corrispondente all’età di Davis) le diverse imprese estetico-culturali del protagonista: lo fa ora Guido Michelone addentrandosi in luoghi, dischi, brani, concerti, aspetti caratteriali e psicologici che via via decretano per Miles un successo internazionale: partito sotto l’ala protettiva di Charlie Parker, poi di Gil Evans nonché del produttore Teo Maceo, grazie ai due quintetti (prima John Coltrane, quindi Wayne Shorter come “spalle”) viene acclamato dalle élites, ma giunge al pubblico di massa con la “svolta elettrica”, vicino, in ultimo, addirittura alla pop music. L’autore, prolifico jazzologo, setaccia l’immensa discografia (anche postuma con recenti edizioni) per raccontare un inedito Miles Davis in ordine alfabetico. Prefazione di Massimo Donà.

“Amore e musica” inizia dove finisce “Terrore e musica”, entrambi i libri scritti su esortazione del leggendario agente Gillon Aitken poco prima della sua morte. Dalla Milano degli Anni di Piombo, della violenza e dell’eroina si passa alla Los Angeles degli anni Ottanta, traboccante di edonismo, cocaina, belle donne, palme e musica. Guido, allora ventenne e matricola della prestigiosa School of Cinematic Arts della USC, continua a essere un estraneo, ma almeno legalmente riconosciuto come “alieno”. A Los Angeles conosce per caso (il caso esiste?) una donna affascinante, poliglotta, profondamente edotta di musica, cinema, arte e letteratura, che lo inizia ai misteri dell’amore e ai segreti dell’industria musicale, allora fiorente, opulenta, e in continua espansione. Entro breve i due diventano corrispondenti per Tutti Frutti, una delle riviste musicali più iconiche e influenti in Italia negli anni Ottanta, e in seguito anche per Elaste, la mitica rivista tedesca di giovani che mappavano l’arte e la cultura contemporanea senza alcuna bussola se non la curiosità. Nel giro di alcuni anni, Guido e la sua musa Stenie conoscono e diventano amici di tanti musicisti, anche di fama mondiale, e di diverse generazioni, dagli allora esordienti Red Hot Chili Peppers e Police, ai veterani Frank Zappa, Ray Manzarek (tastierista dei Doors) e Todd Rundgren. Il libro mette a fuoco un periodo senza precedenti e irripetibile in cui la musica veniva prima di tutto.

Quanti avrebbero voluto dialogare con Franco Battiato, magari seduti su un divano della sua villa, sui temi metafisici e spirituali che tanto hanno caratterizzato il suo cammino artistico? In questo libro si immagina proprio questo, costruendo pagina dopo pagina lo scenario e il materiale adatto per immergersi in questo dialogo con cui si cerca di costruire un percorso di ricerca dell’Assoluto. Nella prima parte l’autore immagina di essere davanti alle grandi librerie ripiene di testi sulla materia presenti a Villa Grazia, la ormai mitica abitazione di Battiato in quel di Milo, di aprire alcuni testi e accorgersi di come siano stati fonti di ispirazione per molte canzoni. La seconda parte del libro va molto di più sulla musica ed è dedicata alle tecniche sonore e di registrazione con cui Battiato ha arricchito questa ricerca spirituale, perché l’Assoluto, oltre che con le parole, si raggiunge anche – e soprattutto – con la musica. La terza parte contiene una sorta di scoop in quanto analizza una particolare top ten, ideata dallo stesso Battiato all’approssimarsi del congedo dalla sua vita terrena, sui brani che più lo rappresentano e consegnata al suo caro amico Alfio Cosentino, sindaco di Milo, autore della prefazione. Il volume è completato dal testo dello spettacolo teatrale e musicale di Vincenzo Greco “L’infinito fra le mani. Viaggio sonoro e narrativo su temi proposti da Franco Battiato”, rappresentato con il nome d’arte Evocante.

Chi non ha sognato con Fred Astaire e Ginger Rogers? Oppure con Gene Kelly e Cyd Charisse? Chi non si è divertito con John Belushi e Dan Aykroyd? E, più recentemente, quanti spettatori hanno amato perdutamente “La La Land” o “Emilia Pérez”? Sono tante le scene che sono rimaste nella nostra memoria e tantissime musiche e canzoni che amiamo sono state scritte per dei musical. Ma cos’è il musical? È quel genere di spettacolo, teatrale o cinematografico, in cui allo spettatore viene chiesto di abbandonarsi alla magia di dialoghi, musica, canzoni e danze esercitando la “sospensione dell’incredulità”, per tuffarsi in un Altrove magnifico e inesplorato. Il musical nasce e si sviluppa principalmente negli Usa, ma, in realtà, è un genere presente in tante cinematografie, basti pensare alle tante produzioni europee e asiatiche. Questo libro vuole essere una guida, unica in Italia, dei film musical prodotti in vari paesi del mondo dalla nascita del cinema sonoro a oggi. Per tanti lettori sarà un viaggio pieno di sorprese e opere geniali da scoprire, perché come cantano in “Spettacolo di varietà”: “Il mondo è un palcoscenico e il palcoscenico è un mondo”. Ed è proprio per questo che il musical non morirà mai, perché nella vita e sulla scena gli esseri umani vogliono le stesse cose: amare e sognare. Prefazione di Emanuele Rauco.

I Cure sono probabilmente la più grande band di culto al mondo. Tra il 1985 e il 2000 tutti gli album che hanno pubblicato hanno raggiunto almeno il disco d’oro nel Regno Unito, negli Stati Uniti o in entrambi. In America hanno ottenuto quattro dischi di platino e si stima che abbiano venduto 30 milioni di album in tutto il pianeta. Il loro status di icona del rock alternativo rimane immutato – semmai i loro instancabili tour hanno fatto sì che crescesse di anno in anno – e il cantante Robert Smith è una figura infinitamente affascinante per le generazioni di fan passate, presenti e future. L’influenza dei Cure si riverbera attraverso generi come emo, goth, industrial e indie rock. Il libro è un’enciclopedia dei Cure, che esamina e racconta curiosità varie, biografie di ogni membro del gruppo, riassunti di ogni album e canzoni selezionate, dettagli sui tour e sui film e saggi su argomenti più ampi come la loro immagine, la loro politica e le loro influenze. Giocoso, eccentrico e irriverente, fedele allo spirito di Smith e compagni, Curepedia è una biografia completa di una delle più importanti band alternative del mondo.

La notte del 10 gennaio 2016 la stella del rock registrata all’anagrafe come David Jones e nota al mondo come David Bowie ha concluso la sua orbita terrena e la sua luce ha repentinamente smesso di brillare. blackstar, suo 28° album di studio uscito due giorni prima della scomparsa, ha immediatamente assunto una luce diversa, rivelandosi per quello che in definitiva è: un testamento. Bowie è stato – è, e resterà – uno dei grandi padri di quella che taluni chiamano musica rock, e altri preferiscono definire più ecumenicamente pop. In cinquant’anni di carriera ha attraversato (quasi) tutti i generi e alcuni ha contribuito a crearli. Musica potente, contrassegnata da testi talora misteriosi e di ardua decifrabilità. Del resto, lui è sempre stato un maestro nel mandarti fuori strada, disseminando nei suoi testi molteplici riferimenti e facendo ampio uso della tecnica del cut-up di ispirazione burroughsiana. Esiste però una continuità nell’opera di Bowie e, come egli stesso ha ammesso, “in fondo alla fine ricorrono sempre gli stessi temi, che poi sono i miei interessi”. Non può che essere questo, pertanto, il punto di partenza per decodificare le liriche di un artista che ha saputo dare una brillante forma artistica ed estetica alle proprie ansie e ai propri travagli esistenziali. Questi, a sua volta, erano i medesimi conflitti vissuti dai suoi fan; e Bowie, in tutti questi anni, non ha mai smesso – e non smetterà mai, nemmeno dopo la morte – di offrire loro quel conforto riassumibile nel metaforico abbraccio con cui concludeva i concerti degli anni Settanta: “You’re not alone!”.

“Ci sono canzoni che nessuno ha mai ascoltato. E un segreto che la musica non ha mai osato raccontare”. Quando Vincent Willis, giovane ricercatore musicale di New York, riceve un invito misterioso da Geoff Emerick – leggendario fonico dei Beatles – non immagina che sta per essere risucchiato in un intrigo internazionale che cambierà per sempre la storia della musica. Dai leggendari Abbey Road Studios di Londra ai sotterranei del Politecnico di Torino, passando per archivi nascosti, frequenze dimenticate e codici criptati, Wave Zero – L’archivio segreto dei Beatles è un viaggio mozzafiato tra passato e presente, analogico e digitale, genio e follia. Un romanzo che scava nelle pieghe più oscure della leggenda dei Fab Four, dove niente è come sembra e nessuno è chi dice di essere. 80 canzoni inedite. Una tecnologia rivoluzionaria chiamata Wave Zero. Un protocollo segreto firmato da Mal Evans, il silenzioso custode del gruppo. E una sola regola: chi saprà ascoltare… proverà al mondo intero che i Beatles non hanno mai smesso di scrivere capolavori. Con la complicità di personaggi reali come Paul McCartney, Freda Kelly e George Martin, l’autore tesse una trama avvincente che fonde storia, suspense e passione musicale in un’opera magnetica e piena di colpi di scena.

“Le armi sono state deposte. Le stelle si sono allineate. La grande attesa è finita. Venite a vedere. Non sarà trasmesso in televisione”. Con queste parole, nell’agosto del 2024, un post su Instagram ha annunciato ciò che sembrava impossibile: la reunion degli Oasis. Fratelli e nemici, talento e caos, creazione e autodistruzione: la storia della band comincia nelle case popolari di Manchester e finisce, temporaneamente, nel camerino di un festival parigino, tra chitarre sfasciate e prugne scagliate contro il muro. Ma cosa è successo dopo? Dallo scioglimento del 2009, Liam e Noel Gallagher hanno seguito strade opposte ma parallele, lasciandoci canzoni indimenticabili, polemiche feroci e tweet esilaranti, tra fragorose cadute e sorprendenti rinascite. Attraverso una narrazione romanzata ma fedele ai fatti, che parte da Burnage e arriva fino al ricongiungimento, “La grande attesa” è una bussola per orientarsi nel mito degli Oasis, tra capolavori noti e meno noti, litigi leggendari e aneddoti memorabili. Nonostante le rotture, i rancori e le ferite non cicatrizzate, l’attesa di un ritorno si è fatta sempre più forte con il passare degli anni. Il libro racconta l’eco di un sogno che non è mai veramente svanito, il desiderio di una reunion che, oltre a essere l’evento musicale del decennio, è un atto simbolico di redenzione per due uomini e di ritorno a un’epoca più ingenua, naïf e sicuramente più felice per milioni di fan. E allora si ritorna a quella prugna sul muro. Dall’altra parte del muro, un’intera generazione che non ha mai smesso di aspettarli.

Canzoni come strumento per preservare la “memoria” e per mantenere vivi i valori della Resistenza, che hanno raccontato, e raccontano tuttora, storie che hanno segnato l’antifascismo in Italia. Storie di ribellione al fascismo, di stragi e di eroismo partigiano. Storie di esponenti politici uccisi dai fascisti o morti in stato di detenzione, di partigiani protagonisti di gesta eroiche o caduti durante la Resistenza, di donne, uomini e bambini che hanno fornito un valido sostegno alla lotta partigiana. In un arco temporale che inizia con gli anni Cinquanta e si conclude ai giorni nostri. Diverse sensibilità, svariati stili. Dagli anni Cinquanta con figure chiave come i Cantacronache agli anni Sessanta con alcuni tra i protagonisti della musica italiana come Ornella Vanoni, Milva e Sergio Endrigo. Gli anni Settanta e Ottanta con le canzoni politiche di cantautori simbolo come Ivan Della Mea e Claudio Lolli o di gruppi iconici come gli Stormy Six e i Nomadi o con le significative produzioni di Pierangelo Bertoli e Ivano Fossati. Gli anni Novanta e il primo decennio del Duemila che si caratterizzano grazie a gruppi come Modena City Ramblers o Gang (dai quali è tratto il titolo del libro) o come i musicisti di “Materiale resistente” e di altri gruppi genericamente più vicini allo ska e al punk. E infine gli anni che partono con il 2011 e finiscono con il 2025, anni segnati da una forte eterogeneità, dai cantautori classici come Francesco Guccini e Claudio Lolli ai cantautori di massa come Ligabue e a figure poliedriche come Vinicio Capossela.

Enzo Del Re (1944-2011) è stato un cantautore pugliese autodichiaratosi cantaprotestautore corpofonista le cui vicende si sono intersecate inevitabilmente con alcuni degli eventi più importanti della storia della musica di protesta della Sinistra anarchica e con la cultura popolare della sua Mola di Bari, sempre però caratterizzato dalla coerenza intransigente di chi ha plasmato la propria vita in funzione della lotta di classe. Già dagli anni dell’infanzia e dell’adolescenza, Del Re si dimostra interessato ai canti e alle filastrocche in dialetto molese, sintomo di un fortissimo legame con una terra da cui, già forte di un seppur acerbo sentimento politico, si distacca all’inizio della vita adulta. Ancora giovane, Del Re si trova infatti, con il suo basco e la sua sedia, a cantare, suonare e sognare in tutta Italia, lontano dalle sue radici ma convintamente coerente con i propri ideali politici di lotta e uguaglianza. Gli stessi ideali lo portano all’esperienza di teatro politico vissuta con Nuova Scena, ambito in cui Del Re riesce a concretizzare in pieno la sua identità artistica, divenendo a tutti gli effetti un cantastorie politicizzato ed entrando in contatto con alcune delle figure più culturalmente rilevanti degli anni Settanta. Attraverso interviste e racconti, questo libro analizza gli Enzo Del Re: il musicista, il rivoluzionario, il cantastorie, il molese, il “cantaprotestautore”. Ogni aspetto della sua personalità viene affrontato seguendo il fil rouge della sua coerenza, vera e propria bussola morale di un compositore che ha saputo comprendere, vivere e restituire la realtà musicale, antropologica, politica e socioculturale dei decenni più importanti del cantautorato italiano.

Questa è la storia di un aspirante dj che non ha mai smesso di esserlo, perché essere dj non è solo suonare, ma vivere con la musica dentro. “Dj una volta, dj per sempre” non è solo uno slogan, ma una filosofia di vita che trascende il semplice atto di mixare. Essere dj significa entrare in un mondo in cui la musica non è solo una passione, ma una connessione profonda, un legame che ti attraversa e ti definisce. Ogni battito, ogni melodia, ogni mixaggio è un’esperienza che va oltre la tecnica: è un’arte che si nutre di emozioni, di vibrazioni che parlano direttamente all’anima. Anche quando il palcoscenico sembra lontano, la musica continua a vivere dentro il dj, a guidarlo. La magia del mixare diventa un’estensione del sé, un modo di vivere e di percepire il mondo. Non importa se il tempo passa o se i suoni cambiano, il vero dj sa che quella fiamma è inesauribile. L’arte di mescolare non riguarda solo la ricerca del brano perfetto, ma il sentimento di essere uno con la musica, di fondere l’energia del pubblico con quella della pista. Ogni performance è una storia da raccontare, una narrazione senza parole dove il dj è il narratore che parla attraverso il suono. Non c’è un limite al viaggio del dj: anche quando non suona più su un palco, la musica è sempre lì, sottopelle, pronta a riaccendersi.