Editoria & Spettacolo

Nella prima metà dell'Ottocento la scena teatrale inglese fu oggetto di una profonda trasformazione dovuta al proliferare di teatri minori o 'illegittimi', che si contrapposero al monopolio teatrale vigente anche a colpi di burlesque. La programmazione di questo genere di spettacoli non era una libera scelta, ma l'unico espediente a disposizione degli impresari per mettere in scena i drammi di Shakespeare. Nei teatri minori, difatti, non era permesso rappresentare opere di prosa in quanto la legislazione assicurava il privilegio del 'teatro di parola' soltanto al Drury Lane e al Covent Garden, un diritto esclusivo che sarebbe rimasto in vigore sino al 1843. Shakespeare, dunque, sarebbe dovuto essere patrimonio dei due teatri che potevano vantarsi del titolo di 'legittimi'. Oggetto di questo studio è l'attività dei teatri minori e la loro produzione di opere shakespeariane 'illegittime', fruite da un numeroso pubblico popolare. Ci si sofferma, in particolare, sui burlesque shakespeariani: radicali riscritture parodiche in versi irregolari e in rima baciata, ricche di canzoni e di brani musicali che consentivano di eludere i vincoli legislativi.

Il volume è la prima raccolta in traduzione italiana dei tre originali drammi di Claudio Tolcachir ("L'omissione della famiglia Coleman", "Terzo corpo la storia di un intento assurdo", "Il vento in un violino"), teatrista di ultima generazione nel rutilante e polimorfo panorama della ricerca teatrale a Buenos Aires. Prima raccolta completa delle pièce dell'autore, attore e regista porteño, andata gradualmente a comporsi a partire dal 2005, quando Tolcachir e la sua compagnia Timbre4, irrompe col ciclone "L'omissione della famiglia Coleman". Il trittico di drammi, riunito in occasione del ritorno in Italia di Timbre4, investiga lo spazio living, il classico soggiorno, come metafora e misuratore della temperatura di una società tumultuosa e in ebollizione quale quella argentina degli ultimi trent'anni, dalla dittatura al crollo del 2001, alla seppur lenta ripresa del 2010.

Grazie ad un'agile partitura a più voci, il testo raccoglie esperienze e testimonianze di arte, cinema, animazione, teatro, musica, underground reality e tecnologia digitale, volte a illustrare una parziale possibile storia dell'arte video in Italia, e a esplorarne la dimensione estetico narrativa legata alle molteplici declinazioni dei modelli identitario-culturali. Il volume si compone di una sezione teorica, ampia e articolata, arricchita dai contributi di alcuni dei più rappresentativi teorici del settore - quali Raffaele Gavarro, Viviana Gravano, Paolo Ruffini, Annalisa Sacchi, Maria Rosa Sossai - affiancati dalle riflessioni dei giovani curatori esordienti del Collettivo Curatoriale Gruntumolani, allievi del Master per Curatore Museale e di Eventi Performativi dello IED di Roma. Nella seconda parte, attraverso delle schede esplicative delle opere in mostra, viene tracciata una mappatura dell'identità italiana scandita da alcuni esempi dell'evoluzione artistica in Italia dagli anni '70 ad oggi.

"Il teatro di Ombretta De Biase si pone volutamente oltre le mode e presenta più livelli interpretativi che l'autrice offre al regista/spettatore/attore/ lettore come in un caleidoscopio in cui ogni apparente 'verità' ne sottende un'altra e così via, in un crescendo che punta diritto al cuore del 'problema' che la stessa autrice definisce il 'punto di vero' insito nella coscienza di ognuno di noi". (Luigi Pasotelli) Il vol. I contiene: "Ho amato Oblomov", "Julius", "La principessa Tumistufi", "Lola", "Pamela", "Lili", "Lumini", "Al Coca-Cola bar", "Una serata fra amici", "Gilda". Il vol. II: "La scelta di Francesca", "Lo Specchio", "Guglielma e Maifreda", "Simone Weil", "La guerra di Lina", "La mia Argentina".

Cos'è la danza urbana? A partire da questo interrogativo Movimenti Urbani indaga un ambito ancora poco osservato della scena contemporanea, che negli ultimi anni ha conosciuto un'ampia diffusione. La danza si immerge negli spazi del quotidiano per confrontarsi con la mutevolezza e la varietà di luoghi e contesti che le città offrono, mettendo in relazione due elementi paradigmatici della nostra cultura: il corpo e l'habitat. Per esplorare i contorni del fenomeno il volume ripercorre le esperienze dei festival, che per primi hanno promosso questa modalità coreutica. Si avvale, poi, delle testimonianze di alcuni coreografi e dei saggi di eminenti studiosi per analizzarne aspetti specifici.

Il libro contiene i testi dei vincitori della sesta e settima edizione del Premio Fersen. I testi e gli autori: "Il ponte" di Carla Di Donato, "Il volo delle farfalle. La scomparsa di Emanuela Orlandi" di Federica Festa e Matteo Festa, "Studio per un teatro clinico" di Maria Teresa Berardelli; "I girasoli" di Emanuela Bolco e Elisabetta Ratti; "Pepè El bastardo Impaziente e Innamorato" di Giuseppe L. Bonifati.

Il libro, oltre a presentare la celebre "Dame de Chez Maxim", contiene commedie, atti unici e monologhi, il tutto arricchito da alcuni saggi di approfondimento in cui si analizzano le opere di Feydeau e Labiche, la comicità di Feydeau, e i personaggi più celebri delle commedie dell'autore.

Cosa fanno le donne all'opera? Partendo da questa domanda, e alla luce della triade genere-classe-razza ripresa dagli studi culturali, "Donne di passioni" invita lettrici e lettori a incontrare tre grandi eroine della lirica, ripercorrendo la storia di "Traviata", "Carmen" e "Madama Butterfly" per ascoltarne di nuovo e più attentamente la voce. Violetta, Carmen e Cio-cio-san ancora riescono a creare un legame emotivo con il loro pubblico, ma mostrano anche come la lirica sostenga tuttora un senso patriarcale del mondo che le vuole sante e/o prostitute ma comunque sottomesse. Ribelli per passione e ancor più appassionate nel momento della morte, queste "personagge" sembrano cantare l'impossibilità di sopravvivere a uno spettacolo che pare creato per mettere in scena ripetutamente la loro eliminazione. Tuttavia, un ascolto attento alle diverse sonorità della passione al femminile fa echeggiare altre storie che le riscritture contemporanee propongono a teatro come al cinema. Così, con la stessa voce con cui cantano la propria disfatta, le donne all'opera cantano anche il proprio potere, la propria fragile immortalità.