Libri di Luca Garrò

Con la sua voce inconfondibile e il suo stile essenziale, il passo deciso e la chitarra come compagna, Johnny Cash ha riscritto le regole della musica americana. È stato un ponte tra generi e generazioni, tra la musica tradizionale e la protesta sociale, tra l'uomo comune e la star immortale. Ma dietro l’icona si nascondeva una figura profondamente tormentata, complessa, spesso in conflitto con sé stessa e con il mondo. "Johnny Cash. L’uomo in nero" ripercorre con passione e rigore la parabola di un artista straordinario, capace di toccare corde profonde dell’animo umano. Le sue canzoni - dalla potenza cruda di Folsom Prison Blues alla dolcezza spirituale di Hurt - non sono solo musica: sono confessioni, sfoghi, richieste di perdono. I lati oscuri di Cash non sono secondari, ma parte integrante della sua arte. L’abuso di alcol e pillole, le fughe nel deserto e gli arresti, il dolore per la morte del fratello Jack e il senso di colpa che lo accompagnò per tutta la vita. La sua relazione tormentata con la religione - oscillante tra devozione autentica e smarrimento - si rifletteva in una vita sempre in bilico tra la caduta e la rinascita. Eppure, proprio nei suoi eccessi e nei suoi errori, Cash ha trovato la sua voce più autentica. Ha cantato per i reietti, per i carcerati, per i dimenticati - perché sapeva bene cosa significasse sentirsi fuori posto. Ha amato con intensità travolgente e ha vissuto ogni esperienza con una fame di verità, anche a costo di distruggersi. Questo libro esplora senza censure, ma con profonda empatia, tutte le sue contraddizioni: l’uomo fragile dietro la leggenda; l’artista che ha fatto della sua inquietudine una forza creativa; il ribelle che ha saputo trovare, a modo suo, la strada verso la redenzione.

«È questo il domani o soltanto la fine del tempo?» cantava Jimi Hendrix nel 1967 in Purple Haze. Una nebbia porpora, mistica, sonora, su cui viaggiavano i fraseggi della sua Fender Stratocaster, che ancora oggi penetra e pulsa nelle vene di chi la respira. E di chi l’ascolta. Musica senza tempo. Perché, con un plettro e un amplificatore, Jimi era già domani. Dopo di lui il rock, molto banalmente, non fu più lo stesso. Secondo «Rolling Stone», quel ragazzo mancino di Seattle, timido ma ribelle, è stato il più grande chitarrista di tutti i tempi. Un alchimista delle sei corde elettriche, che seppe miscelare blues, rock psichedelico e virtuosismo tecnico con le vibrazioni emanate dalla sua epoca. Come uno sciamano, sapeva evocare gli spiriti animali sul palco, e domarli con pochi giri d’accordi. Live dopo live, da Monterrey a Woodstock, la sua leggenda si costruì su performance incredibili e irripetibili. Fino a essere sigillata dalla tragica morte, il 18 settembre 1970. Un destino, quello di lasciare la propria musica troppo presto, che ha impresso a fuoco l’icona di Hendrix nella storia del rock. Luca Garrò ne ripercorre la vita, la breve e intensa carriera artistica, ma anche l’uso della strumentazione musicale, l’attività in studio, il rapporto con Bob Dylan e l’Fbi, fino all’eredità e alle controversie, con interviste esclusive a Billy Cox, Steve Vai e John McDermott. Ridando parola al suono che l’anima elettrica di Jimi Hendrix ha impresso indelebilmente su generazioni di chitarristi, fino a oggi.

«Non esiste genio senza una vena di follia», sentenziava Seneca. E anche la musica rock ne sa qualcosa, potendo vantare una lunga lista di “folli” e follie passate alla storia, di cui si è sempre nutrita per creare opere immortali, performance eccezionali ed emozioni contrastanti – non senza gli eccessi che l’hanno resa così celebre e seguita. Da chi ha lasciato piccoli e grandi capolavori prima di una fine tragica o evitabile, a chi per tutta la carriera ha convissuto con i propri demoni più o meno nascosti, non di rado il processo creativo del rock è stato indotto ed esasperato da un uso spregiudicato di sostanze stupefacenti e alcol, oltre che da inquietudini, angosce e traumi irrisolti. Molti musicisti, per questo, hanno gettato la spugna perché perseguitati dalle proprie ossessioni; tanti altri invece hanno proseguito tra alti e bassi in precario equilibrio, continuando a regalarci preziosi segni della loro arte. Dal fondatore dei Pink Floyd, Syd Barrett, al genio dei Beach Boys, Brian Wilson, dalle sregolatezze di Amy Winehouse ai traumi di Sinéad O’Connor, dalle fobie di Mike Patton alle follie estreme di GG Allin, la lista è lunga e suggestiva, e nasconde la parte più intima e tormentata della musica rock. Quella che l’ha resa unica. Prefazione di Gianni Maroccolo.

"Brian May. Just one life" è il racconto entusiasmante della vita di una delle più grandi leggende della musica popolare (...). Oltre ad aver scritto quasi la metà dei brani dei Queen, molti dei quali diventati hit senza tempo, Brian May è stato uno degli ultimi veri innovatori della chitarra, preso a modello da generazioni di musicisti. La narrazione parte da un evento divenuto in qualche modo lo spartiacque della sua carriera: il concerto di tributo a Freddie Mercury, avvenuto nell'aprile del 1992. Il libro continua trattando prima l'infanzia di May, passando successivamente per le sue prime esperienze musicali, fino alla formazione e al successo mondiale con i Queen, con lo scopo dichiarato di raccontarlo dal punto di vista interno e personale del loro chitarrista. Non manca un nutrito approfondimento della sua carriera successiva alla morte di Freddie Mercury, viene quindi trattata l'iniziale carriera solista, la passione per l'astrofisica e per la fotografia stereoscopica, nonché il ritorno sulle scene con il vecchio moniker, prima in compagnia dell'ex Free Paul Rodgers e, in seguito, con il giovane Adam Lambert.